1741: Antonio Vivaldi, compositor italiano

1911: Dolores Jiménez, "La Niña de La Puebla", cantaora española.

1941: Riccardo Muti, director de orquesta italiano. 

1943: Richard Wright, teclista británico (Pink Floyd). 

1954: Steve Morse, guitarrista estadounidense (Deep Purple)

1990: Soulja Boy, rapero estadounidense

1750: Johann Sebastian Bach, compositor barroco alemán.     


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1911: Dolores Jiménez, "La Niña de La Puebla", cantaora española.


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Dolores Jiménez Alcántara (La Puebla de Cazalla, Sevilla, 28 de julio de 1908- Málaga, 14 de junio de 1999), conocida artísticamente como La Niña de La Puebla, fue una de las más grandes cantaoras de flamenco y de copla andaluza.

Hija de un barbero aficionado al cante, Dolores Jiménez nació en La Puebla de Cazalla (Sevilla). Un colirio mal compuesto le hizo perder para siempre la vista a los tres días de nacer. Con ocho años comenzó a recibir enseñanza especial y musical. A los 20 años, acompañada de su guitarra, actuó en un festival en Morón de la Frontera (Sevilla). Su carrera se lanzó imparable. Pasó de la interpretación de estilos más ligeros, como las colombianas o los fandangos, a otros solemnes, como la seguiriya o la soleá. Según sus propias declaraciones decidió dedicarse al cante profesional cuando oyó cantar al Niño de Marchena.

Estuvo casada con otro notable cantaor, Luqui­tas de Marchena (Lucas Soto Martín, n. en Lina­res, 1913-1965). De este matrimonio nacieron otros dos conocidos artistas del folklore andaluz: Adelfa Soto y Pepe Soto.

Su gran triunfo llegó antes de la Guerra Civil española (1936-1939), pero fue después cuando La Niña de la Puebla llevó a cabo una actividad artística casi frenética, en gira continua por toda España hasta los años setenta, representando cada año un espectáculo distinto: Ópera flamenca (1947), Pasan las coplas (1947), El sentir de la copla (1950), Toros y cante (1951), Noche de coplas (1953), Así canta Andalucía (1954), Herencia de arte (1955), Noche Flamenca (1963), Fantasía Flamenca (1970)... A lo largo de toda su carrera profesional trabajó con figuras legendarias del arte flamenco: Manolo Sanlúcar, El Cojo de Huelva, Pepe Marchena, Manuel Vallejo, José Cepero, Juanito Valderrama, Niña de Antequera, Pepe Pinto, El Sevillano, Rafael Farina, El Carbonerillo, El Corruco de Algeciras, José Menese o Camarón de la Isla. En 1987, se retiró de las tablas tras actuar en la Cumbre Flamenca que se celebró en Madrid. Pero reapareció en los escenarios en 1995 y ya no los dejó hasta que la muerte le sorprendió cuatro años después. Su último espectáculo tuvo que terminarlo antes de tiempo por encontrarse mal.

Una semana después de su fallecimiento iba a recibir la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes. Uno de sus hijos manifestó cuál era el mayor deseo de su madre: ser recordada por la colombiana Serranía del Brasil, que cantaba junto a su marido, el también cantaor Luquitas de Marchena. Siempre será recordada por el sabor popular que supo imprimir a todas sus interpretaciones, en especial en su versión de Los Campanilleros, más ligera y popular que la de Manuel Torre.

La Niña de la Puebla destacó -aparte sus Campanilleros- en tona­dillas, fandangos y malagueñas. Una cantaora de ritmo y compás, y en sus discos hay cantes por soleá, seguiriyas, malagueñas, villancicos, ta­rantas, granaínas, etc. Ha formado parte de las más importantes compañías de espectáculos fla­mencos. Residió durante muchos años en Málaga, ciudad en la que murió a causa de una hemorragia cerebral el día 14 de junio de 1999.


1941: Riccardo Muti, director de orquesta italiano.


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Riccardo Muti (n. Nápoles; 28 de julio de 1941) es un director de orquesta italiano, conocido por haber sido el director musical del teatro de ópera La Scala de Milán, desde 1986 hasta 2005. Junto a Claudio Abbado,1 ambos son vistos como los máximos directores de orquesta de su generación y por su estilo y temperamento visto como el continuador de Arturo Toscanini.2 3 Uno de los grandes maestros del repertorio lírico italiano ha incursionado con gran éxito en Mozart y el repertorio francés y alemán, especialmente Brahms y Schumann. Actualmente es el director titular de la Orquesta Sinfónica de Chicago.4 5 El 4 de mayo de 2011 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.6

Hijo de un médico aficionado a la música y una madre cantante lírica, estudió en el Conservatorio de Nápoles. Discípulo de Antonino Votto y luego de Nino Rota, en 1967, Muti se convierte en el primer italiano en ganar el prestigioso Premio Guido Cantelli de jóvenes directores.

Ha trabajado como director principal de algunas de las orquestas y festivales más reconocidos del mundo. Dirige el Maggio Musicale Fiorentino de 1968 a 1980; la londinense Orquesta Philharmonia, a partir de 1972 (sucediendo a Otto Klemperer); por sugerencia de Eugene Ormandy lo sucede en la Orquesta de Filadelfia, de 1980 a 1992 (con la que realiza varias giras internacionales);7 y la Orquesta del Teatro La Scala, desde 1987.

También es invitado regularmente por la Filarmónica de Berlín y la Filarmónica de Viena, y el Festival de Salzburgo desde 1971, donde se le reconoce su labor con las óperas de Mozart.

Ha trabajado regularmente con teatros de ópera de Filadelfia, Múnich, Viena y el Covent Garden de Londres, además del Festival de Ravena donde en 1969 conoció a su fundadora con quien se casó, Cristina Mazzavillani con quien tuvo tres hijos, 2 varones y una mujer: Francesco, Chiara y Domenico.

En La Scala, Muti se destaca por explorar trabajos poco conocidos del repertorio neo-clásico, como Lodoïska de Luigi Cherubini y La Vestale de Gaspare Spontini así como Ifigenia en Táuride de Gluck y la ópera de Antonio Salieri Europa Riconoscuta con la que reabrió la restaurada La Scala en el año 2004.8

Muti se ha destacado por su fanática adherencia a versiones que respetan las intenciones del compositor tal como están escritas en la partitura, destacándose sus versiones de óperas de Giuseppe Verdi como La Traviata (con Renata Scotto y Alfredo Kraus), Nabucco, Macbeth, Otello, Rigoletto, I vespri siciliani, Falstaff, Un ballo in maschera y otras sin olvidar sus versiones del Requiem con Luciano Pavarotti y la grabación de Aída con Montserrat Caballé y Plácido Domingo.

En el año 2000 le fue concedido el Premio de la Fundación Wolf de las Artes de Jerusalén.

El 16 de marzo de 2005 la orquesta y el equipo de La Scala votaron mayoritariamente para exigir la renuncia del director. El origen de la disputa está en la renuncia del gerente general del teatro, Carlo Fontana, por problemas con Muti.

Famoso director mozartiano, se le encargó dirigir la ópera La Flauta Mágica en el Festival de Salzburgo, conmemorando el 250 aniversario de Mozart en el año 2006. Esta versíón ha llegado ha ser considerada entre las mejores versiones de la historia de La flauta mágica.

En el 2010 debutó tardíamente en el Metropolitan Opera de Nueva York con Attila de Verdi y se hace cargo de la Orquesta Sinfónica de Chicago9 pero debe retirarse por enfermedad después del concierto inaugural.10

Muti es miembro honorario de la Royal Academy of Music y ha sido condecorado con la Orden al Mérito de la República Italiana en 1990, con la Legión de Honor francesa el 4 de junio de 201011 y con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2011


1943: Richard Wright, teclista británico (Pink Floyd).


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Richard William Wright (Londres, 28 de julio de 1943 — Londres, 15 de septiembre de 2008),1 más conocido como Rick Wright, fue un músico británico, teclista, vocalista y co-fundador del grupo de rock progresivo Pink Floyd, quien además compuso algunos de sus temas.

Digital Dream Door lo escogió como el quinto mejor teclista de toda la historia

Richard William Wright se incorporó al grupo Sigma 6 en 1964, una de las versiones previas de lo que acabaría llamándose Pink Floyd, con Roger Waters, Nick Mason y Bob Klose. Wright hizo contribuciones esenciales al sonido de la banda en temas como "A Saucerful of Secrets", "Echoes", y "Shine on You Crazy Diamond", de la mano de su órgano Hammond, su atracción por el uso del sintetizador y su principal inspiración, el jazz. Para el álbum Dark Side of the Moon realizó dos de los temas del álbum: "The Great Gig in the Sky" y "Us and Them". Wright también participó en la parte vocal de varias de las canciones de Pink Floyd, principalmente cantando sus propios temas, haciendo coros y armonías.

En 1978 Richard William Wright grabó y lanzó su primer disco solista llamado Wet Dream, disco que, posteriormente, consideró simple y con letras no muy sólidas, pero que le gustaba. En aquel disco trabajó junto a Snowy White como guitarrista, ex Thin Lizzy y miembro de apoyo de Pink Floyd, actualmente guitarrista de Roger Waters.

Durante la grabación de "The Wall", Roger Waters recibió una oferta financiera muy importante de la discográfica Sony que le ofrecía ampliar los beneficios del disco si es que éste era lanzado antes del plazo fijado. Waters aceptó pero para que se cumpliera aquello, Wright tenía que terminar sus pistas de teclado, interrumpiendo sus vacaciones. El tecladista se negó lo que provocó que Waters enfureciera, pues según él, estaba haciendo una cantidad de esfuerzo considerable y Rick no ponía nada de su parte. Wright finalmente aceptaría, con la condición de que ayudara en la producción del disco, algo que Waters aceptó con dudas pues sentía que ya había suficientes personas produciendo en el álbum. Pero esto no perduró y las relaciones se tensaron. Roger amenazó con tirar todo el proyecto si es que Richard no se iba; este último tuvo que aceptar humillado. De cualquier manera tocó en el espectáculo de "The Wall" como músico asalariado, irónicamente esto resultó en que fuera el único que ganara dinero con la gira, los demás sólo compartieron pérdidas.

En 1984 se unió a Dave Harris, ex 10cc para trabajar en un proyecto que dejaba como protagonista a una máquina de última tecnología utilizada para componer música. Dicha agrupación se llamó Zee y el disco Identity, muy alejado del sonido que manejaba anteriormente Wright junto a Pink Floyd. Wright consideró a este disco un "error experimental", sintiéndose avergonzado por el resultado final.

Poco después, David Gilmour tomó el liderazgo de Pink Floyd y Waters inició un pleito legal contra Gilmour y Nick Mason por el nombre de la banda. El juicio finalmente fue ganado por éstos, obteniendo los derechos sobre el nombre "Pink Floyd", a la vez que Roger Waters ganó los derechos del merchandising de la banda (incluido el cerdo volador habitual en los espectáculos de la banda), los derechos de las canciones que compuso para The Wall (la gran mayoría) y The Final Cut.

Más tarde, en 1987, Pink Floyd editó el álbum A Momentary Lapse of Reason, ya sin Roger Waters, para el cual habían llamado nuevamente a Wright para participar en el disco, todavía como invitado por razones legales. Posteriormente se unió también a la gira que siguió al álbum, con motivo de la cual se publicó el disco doble Delicate Sound of Thunder en 1988, en el cual Wright apareció de nuevo reintegrado oficialmente como miembro del grupo. Para el siguiente álbum, The Division Bell (1994), Wright co-escribió cinco canciones, entre ellas el tema "Wearing the Inside Out", compuesto por él y co-escrito junto a Anthony Moore.

Así, el único disco de Pink Floyd en el cual Rick Wright no aparece es The Final Cut, obra que con motivo de la disputa legal le pertenece por entero a Roger Waters.

En 1996 Wright vuelve a trabajar junto a Moore en su segundo disco solista, Broken China, catalogado por muchos fans de Pink Floyd como el mejor disco solista de los miembros de la banda. En este disco trabajó junto al actual guitarrista de apoyo de Pink Floyd, Tim Renwick, además del bajista Pino Palladino y la voz de Sinéad O'Connor en dos de sus temas, entre otros músicos. Incluso David Gilmour fue invitado a participar en las guitarras del tema "Breakthrough", pero el resultado de sus grabaciones no fue utilizado.

El año 2001 David Gilmour realizó una serie de conciertos semi-acústicos invitando a Wright en un par de ellos a tocar su tema "Breakthrough" en vivo.

En julio del 2005, por primera vez desde los conciertos de The Wall, Wright, Gilmour, Mason y Waters se unieron de nuevo como Pink Floyd para tocar cuatro canciones en el concierto masivo Live 8 en Londres.

Ese mismo año Gilmour le insinuó a la BBC que el grupo podría reunirse otra vez para un concierto especial, pero descartó la posibilidad de otra gira. Nunca se llegó a concretar.

Para el 2006 Wright y Nick Mason participaron con David Gilmour durante su presentación en el Albert Royal Hall en Londres, siendo la última presentación del Pink Floyd post-Waters. También en el 2006 se dio a conocer el nuevo álbum solista de Dave Gilmour, On an Island, en el que Rick Wright participó en una de las canciones y posteriormente fue el teclista de la banda que realizó el tour mundial.

Tras el reencuentro, Roger Waters superó todas sus pasadas diferencias con Rick Wright e incluso lo invitó a participar también en su gira The Dark Side of the Moon Live (en la que asimismo colaboró Nick Mason), pero Wright declinó la oferta en pos de dedicarse a preparar un nuevo álbum solista, el cual según se informaba sería un disco instrumental.

Su primer matrimonio fue con Juliette Gale, en 1964. Tuvieron dos hijos y se divorciaron en 1982. Entre 1984 y 1994 estuvo casado con Franka, y dos años más tarde intercambió alianzas con Millie (a quien le dedicó su segundo álbum solista, Broken China). Ese mismo año, su hija Gala contrajo matrimonio con Guy Pratt, el bajista que tocó para Pink Floyd desde la salida de Roger Waters.

Últimos años y muerte

El lunes 15 de septiembre de 2008, tras una breve lucha contra el cáncer, Wright falleció en su hogar de Londres. Tenía 65 años. Es el segundo miembro fundador de Pink Floyd que muere tras el deceso de Syd Barrett en 2006.

Debido a su vida apartada de los medios del espectáculo a partir de su ruptura con la banda y esporádicas presentaciones públicas, no se conocieron mayores detalles sobre su deceso.


1943: Mike Bloomfield, músico estadounidense


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Mike Bloomfield fue un guitarrista de blues y rock norteamericano, nacido en Chicago, Illinois, el 28 de julio de 1943, y fallecido el 15 de febrero de 1981.

Se inició en el blues, de la mano del armonicista Paul Butterfield, con quien permaneció varios años. Después tocó con Bob Dylan y Al Kooper, además de sus propios grupos, entre los que destaca Electric Flag. Convertido en una "superestrella del rock" en los años 1960, acabó en el olvido a mediados de la década de 1970, en parte por su adición a la heroína, en parte por las dificultades que se derivaban de su artritis para seguir tocando. En 1981, apareció muerto, por sobredosis, en su coche, en un aparcamiento.

Con un estilo vituoso y muy melódico, fue uno de los músicos blancos de blues más apreciados por la crítica especializada. En el año 2003 estaba situado en el número 22 del ranking de "Los 100 mejores guitarristas de la historia", elaborado por la revista Rolling Stone.1 Su disco más destacable, desde una perspectiva blues, es "Cruisin' for a bruisin'", editado por Takoma Records, aunque el más conocido y exitoso es "Supersession".

En el año 2000, se publicó una autobiografía dictada



1954: Steve Morse, guitarrista estadounidense (Deep Purple)


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Steve J. Morse (Hamilton, Ohio, 28 de julio de 1954) es un guitarrista estadounidense. Desde 1994 forma parte de la legendaria banda británica de hard rock Deep Purple. Antes de unirse a dicho grupo, estuvo en Dixie Dregs y también tuvo una notable carrera como solista.

Después de haber pasado por Dixie Dregs y Kansas se unió a Dave LaRue, (bajo) y Van Romaine (baterista) para formar su propia banda: La Steve Morse Band. Aunque sigue siendo el guitarrista de Deep Purple también participa en Living Loud junto con antiguos músicos de Ozzy Osbourne y que se dedican a hacer versiones de éste, a parte de temas propios.

El estilo Morse pasa por el Hard Rock, heavy metal y el Jazz fusion y, por supuesto, está dentro del círculo de los guitarristas virtuosos llamados shredders. Llegó a reemplazar a (bajo su propia recomendación) Joe Satriani y al mítico Ritchie Blackmore durante la gira de Deep Purple.


1965: Daniela Mercury, cantante brasileña.


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Daniela Mercuri de Almeida Póvoas (Nacida en Salvador de Bahía, 28 de julio de 1965), conocida como Daniela Mercury, es una importante cantante, compositora, bailarina y productora musical de axé, samba y MPB. Su éxito comenzó en la década del ´90, y la convirtió en una de las cantantes brasileñas más populares de todos los tiempos, vendiendo cerca de once millones de álbumes en todo el mundo. Entre sus mayores éxitos se encuentran "O Canto da Cidade", "Música de Rua", "Ilé Pérola Negra" "Trio Metal" "Oyá Por Nois" y "Maimbé Dandâ"

El trabajo filantrópico de Mercury está más ligado a los niños. En 1995 fue condecorada embajadora nacional de buena voluntad de UNICEF, convirtiéndose en la segunda personalidad brasileña en recibir tal honra. Mercury también participó de varios shows a beneficio de los niños, entre ellos el "Criança Esperança" de UNICEF y el Teletón de la AACD ("Associação de Assistência à Criança Deficiente"). Una parte de los derechos del álbum Elétrica de 1998 fueron donados a la UNICEF. Es también embajadora del "Instituto Ayrton Senna".

Además participó de otros proyectos benéficos, no ligados directamente a los niños. El 7 de octubre de 2003, participó del show "Solidariedade Brasil-Noruega" con la consigna de "Hambre Cero" en el Teatro Nacional de Brasilia. También está ligada con la ONG "América Latina en Acción Solidaria (ALAS)", participando en septiembre del 2007 de una campaña publicitaria promoviendo la ayuda a los afectados por el terremoto en Perú.


1967: Taka Hirose, músico japonés (Feeder)


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1970: Michael Amott, guitarrista sueco (Arch Enemy)


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Michael Amott es un guitarrista sueco de death metal, de padre inglés, autor, fundador de las bandas Arch Enemy, Spiritual Beggars, y Carnage.

Michael Amott nació el 28 de julio de 1970 en Halmstad, Suecia y comenzó a tocar guitarra desde la adolescencia. Sus influencias son Frank Marino, Dave Mustaine y Michael Schenker, el estilo de Amott incluye un ancho vibratto, líneas melódicas, riffs agresivos y un gusto por las dobles guitarras armonizadas.

Michael fundó la banda de death metal Carnage en 1988 con Johan Liiva el cantante y lanzó dos demos bastante conocidos, ganando el interés público. Con los numerosos cambios, Carnage logró grabar su único álbum Dark Recollections con Michael, el único integrante original, pero cuando el álbum fue lanzado en Necrosis records en 1990, la banda se separó.

Sin perder el tiempo, Michael fue reclutado por Carcass en 1990, y lanzó el álbum Necroticism - Descanting the Insalubrious en 1991. Un momento crucial en la historia de la banda de grindcore, el álbum fue considerado por muchos como una obra maestra de death metal,[cita requerida] mencionando el estilo violento de Michael Amott. La banda luego sacó su álbum mejor vendido Heartwork en 1994, ayudando a definir lo que se conoce como melodic death metal, por el trabajo de Amott y sus dobles guitarras armonizadas de él y Bill Steer.

Michael dejó Carcass en 1993 por diferencias creativas y decidió formar una banda de stoner rock, Spiritual Beggars. La banda lanzó su debut Spiritual Beggars en 1994, lo cual los llevó a un tratado europeo de grabación Music for Nations, que lanzó Another Way to Shine en 1996.

Todavía en el metal extremo, Michael aceptó una oferta en 1996 de un nuevo estudio de grabación japonés, W.A.R. Records, para grabar en un proyecto de melodic death metal igual al de Carcass, de quien Heartwork era considerado una obra maestra de melodic death metal. Michael contactó a Johan Liiva el cantante original de Carnage y a su hermano menor Christopher Amott, que estaba atendiendo a la academia de música y fundó Arch Enemy. Incluyendo al baterista Daniel Erlandsson , su primer álbum, Black Earth era intencionado con ser un solo proyecto, pero el primer sencillo, "Bury Me An Angel" fue cordialmente recibido en MTV Japón y en 1997 Arch Enemy firmó con otra firma japonesa, Toy's Factory, así fueron invitados a una gira en Japón. Michael decidió formar la banda completa, reclutando a Peter Wildoer (Darkane), y al bajista Martin Bengtsson.

Después de la gira en Japón, Michael regreso a Spiritual Beggars y lanzó Mantra III en 1998, ahora con Per Wiberg en teclados. En abril del mismo año, Arch Enemy regresó con Stigmata, su primer álbum fuera de Japón, ahora en Century Media. El álbum fue un éxito critico, y Arch Enemy fue de gira todo el año. Más tarde en 1998, Michael también contribuyó con solos en el álbum de Candlemass Dactylis Glomerata.

Arch Enemy regreso en 1999 con Burning Bridges y Burning Japan Live 1999 El último álbum de Johan Liiva con la banda. Michael lanzo Ad Astra con Spiritual Beggars en 2000, luego retorno a Arch Enemy, y recluto a la vocalista alemana Angela Gossow ( la cual también es su actual pareja). Arch Enemy lanzo Wages of Sin en 2001, y fue bien impulsado por la nueva cara, la banda hizo un éxito a nivel mundial. Arch Enemy fue de gira con Wages of Sin, y Michael no regresó a Spiritual Beggars hasta en 2002, lanzando On Fire, otra vez en Music for Nations.

En 2003, Arch Enemy lanzo Anthems of Rebellion, con Century Media, y por primera vez, Arch Enemy tuvo el vídeo de "We Will Rise" en MTV Estados Unidos. La banda se hizo popular mundialmente, y estuvo de gira hasta el 2005. Durante el álbum Doomsday Machine, Christopher Amott dejó la banda, para seguir con su educación. Michael regresó otra vez a Spiritual Beggars en 2005, lanzando el álbum Demons. También le ayudo a Kreator en su álbum del 2005, "Enemy Of God", para la canción "Murder Fantasies".

En el 2007, luego de finalizar la gira latinoamericana, grabó junto a Arch Enemy un nuevo disco "Rise Of The Tyrant". En ese tiempo los rumores sobre la posible reunión de Carcass fueron cada vez más fuertes, hasta que el mismo las confirmó, anunciando una gira en el 2008.



1976: Jacoby Shaddix, cantante estadounidense (Papa Roach).


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Jacoby Dakota Shaddix (nacido el 28 de julio de 1976, en Vacaville, California de Estados Unidos) es el cantante de la banda de hard rock californiana Papa Roach.

También es conocido por Coby Dick (utilizado en el álbum Infest)y Jonny Vodka pero sólo utiliza Coby Dick desde el 2001, aunque también se ha autodenominado Dakota Gold. Jacoby también está trabajando en un proyecto paralelo junto a la banda Post-Hardcore, Fight The Sky, donde utiliza el nombre John Doe. También trabajo como presentador para el programa de MTV Scarred.

Jacoby Shaddix fue a Vacaville High School en Vacaville, California.

Shaddix tiene dos hijos con Kelly Shaddix (casados el 17/07/96), Makaile Cielo Shaddix (nacido en Marzo 24, 2002) y Jagger Shaddix (nacido Sep 13, 2004).

Jacoby admitió que llegó a automutilarse, lo que una vez lo llevó a un hospital de Las Vegas donde le tuvieron que poner 11 grapas en la cabeza. A esto se suma que también ha lidiado con la adicción al alcohol y a las drogas durante los comienzos de su carrera.



1979: Birgitta Haukdal, cantante islandesa.


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Birgitta Haukdal Brynjasdóttir es una cantante pop nacida en la pequeña población de Húsavík en Islandia el 28 de julio de 1979, donde ha vivido la mayor parte de su vida. Sus padres son Brynjar y Anna Haukdal y su hermana es Silvía Haukdal.

En noviembre de 1999, Birgitta sustituyó al vocalista de la banda Írafár, Íris Krístinsdóttir. Junto a dicha banda, publicó el sencillo "Hvar er ég?" ("¿ Dónde estoy ?") en el verano de 2000 en los recopilatorios Pottþétt 2000 y Svona er sumarið 2000, seguidos por otros dos singles,"Eldur í mér" y "Fingur"en 2001 en los recopilatorios Poppfrelsi, PottÞétt 24 y Svona er sumarið 2001. El grupo firmó un contrato con la discográfica más grande de Islandia, Skifan, en 2002, publicando su primer álbum "Allt sem ég sé" ("Todo lo que veo") en el mes de Noviembre. Dicho trabajo se convirtió en el álbum más rápidamente vendido en los últimos 25 años consiguiendo llegar al disco de platino (más de 200000 copias), algo no muy usual en un país de aproximadamente 300000 habitantes.

En 2003, Birgitta consiguió hacerse con la victoria en la preselección nacional de su país para participar en Eurovisión con la canción "Segðu mér allt" ("Dímelo todo"). En el Festival de la Canción de Eurovisión 2003 celebrado en Riga alcanzó la octava posición con la versión en inglés de dicho tema, "Open your heart" ("Abre tu corazón").

Tras dicha participación, publicó un disco de versiones de villancicos islandeses y otro de canciones de su infancia (Perlur) ("Perlas"), así como dos nuevos álbumes junto a Írafár, en donde sigue siendo la voz del grupo: Nýtt upphaf (2003) e Írafár (noviembre de 2005).

A comienzos de año, participó en el Songvakeppnin 2006 (la preselección nacional islandesa para participar en Eurovisión) con la canción "Mynd Af Þér" ("Una imagen de ti"). Sin embargo, no pudo conseguir el billete para representar a Islandia en Atenas.



1990: Soulja Boy, rapero estadounidense


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DeAndre Cortez Way (28 de julio de 1990), mejor conocido por su nombre artístico Soulja Boy Tell 'Em o simplemente Soulja Boy, es un rapero estadounidense y productor discográfico.

En septiembre de 2007, su sencillo "Crank That (Soulja Boy)" alcanzó el número 1 en la Billboard Hot 100. Hasta el momento Soulja Boy ha lanzado tres álbumes de estudio y un álbum independiente. Su álbum de estudio debut "Souljaboytellem.com" fue certificado Platino por la RIAA. Sin embargo, sus dos siguientes álbumes, "iSouljaBoyTellem" y "The DeAndre Way" no consiguieron el éxito comercial que tuvo el álbum debut.

A pesar de su éxito comercial, su música ha sido objeto de burlas de sus compañeros y de la crítica.Soulja Boy identifica su objetivo como crear música optimista que evita la imagen violenta y negativa que él ve en la mayoría del hip-hop


1741: Antonio Vivaldi, compositor italiano.


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Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - Viena, 28 de julio de 1741), más conocido como Antonio Vivaldi, fue un compositor y músico del Barroco tardío. Se trata de una de las figuras más relevantes de la historia de la música. Su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto, el más importante de su época.

Era apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote (católico) y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido, a nivel popular, por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, que forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del Concerto Solli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concerto Solli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía.

Sin embargo, Las cuatro estaciones son unos conciertos para violín en el que la orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un relieve: no se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra. Esto influirá posteriormente en los conciertos de Händel y, sobre todo, de Bach, ya que éste estudiaría asiduamente los conciertos de Vivaldi, y sería a partir de las innovaciones originales de Vivaldi que Bach perfeccionaría el concepto de concierto. De esta manera, con la forma musical de los Concerto Solli se lograría definir de manera definitiva lo que podría llamarse el concierto para instrumento solista moderno, estableciéndose un equilibrio perfecto entre solista y orquesta, sin que el concierto llegue al extremo de tener que ser considerado un Concerto Grosso, en el se establece un diálogo entre orquesta y solistas de manera que los papeles de solista y acompañante se intercambian entre un pequeño grupo de instrumentos (el concertino, a veces un único instrumento) que actúa usualmente de solista, y la orquesta (el ripieno). Llegar a este punto, sin embargo, fue un proceso que condujo de Arcangello Corelli y Giuseppe Torelli a los ciclos donde podría decirse Vivaldi experimenta con este género instrumental. Cabe destacar por ejemplo el ciclo del Opus 3, donde se percibe un gran dominio en su concepto de concerto grosso y concerto con soli, donde los más conocidos son el Opus 3 N6 en la menor y el Opus3 N11 en re menor, donde se presenta un maravilloso ejemplo de fuga a cuatro voces (2 violines, viola, violonchelo y continuo). Así, Las cuatro estaciones representan el Concerto Solli perfecto, a tal grado que influye notablemente la música de Johann Sebastian Bach, y ésta inexorablemente en Haydn; y Haydn, a su vez, al convertirse en maestro de, entre otros, Beethoven, extiende la influencia de Vivaldi a más músicos sin que, probablemente, hubieran conocido la obra de Vivaldi.

Desde los exóticos concerti da camera, compuestos para la corte de Mantua hasta los conciertos para violín de su última época, además de otras decenas de piezas concertantes, la música barroca italiana de Vivaldi, ofrece contrastes sutiles y emociones refinadas. Complementa la diversidad de estilos que conforman el Barroco musical, el alemán, el francés, inglés y obviamente el poderoso centro italiano. La importancia del aporte de Vivaldi radica en haber consolidado la estructura del concierto como género.

Vivaldi recibió el apodo de il prete rosso (el sacerdote pelirrojo) por el color de su cabello. De hecho, era una característica de su familia, y su padre ya era conocido con el sobrenombre de rosso.

En 1737 fue acusado de no decir misa siendo sacerdote, pero él se defendió alegando su asma; sin embargo, su enfermedad pulmonar no le restó capacidades a la hora de viajar por Europa.

En el funeral de Vivaldi, celebrado en la catedral de Viena, cantaron los niños del coro de la catedral, entre los que se encontraba el futuro compositor Joseph Haydn.

Es uno de los temas centrales en la novela de ficción histórica La Copa Antonio Vivaldi, en la que una competición de música nombrada en su honor sustituye a la Copa Mundial de Fútbol.

Su ópera "Montezuma", es el tema central de la novela de ficción histórica, Concierto Barroco de Alejo Carpentier 1974. Esta ópera, que versa sobre la conquista de México bajo una interpretación poco apegada a la realidad; fue estrenada en Venecia en 1733, en el Teatro Sant'Angelo.

El Ryom-Verzeichnis o catálogo Ryom es un importante catálogo de las obras de Vivaldi. Otros catálogos son los de Fanna, Pincherle y Ricordi.

Una lista completa de sus composiciones se encuentra en Klassika.info (en alemán).

Su producción fue numerosísima. Escribió 46 operas, 70 sonatas, 195 composiciones vocales, entre las que se cuentan 45 cantatas de cámara y 554 composiciones instrumentales, en su mayoría conciertos. Los más conocidos son los doce que componen el Cimento dell´ Armonia y dell´ Invenzione (1725). Los primeros cuatro conciertos incluyen las célebres Cuatro estaciones: nº 1 en mi mayor, La primavera; nº 2 en sol menor, El verano; nº 3 en fa mayor, El otoño y nº 4 en fa menor El invierno. Música religiosa como el oratorio Juditha triumphans (1716), el Gloria en re (1708), misas y motetes. Sus sonatas instrumentales son más conservadoras que sus conciertos y su música religiosa a menudo refleja el estilo operístico de la época y la alternancia de orquesta y solistas que ayudó a introducir en los conciertos. Johann Sebastian Bach, contemporáneo suyo, aunque algo más joven, estudió la obra de Vivaldi en sus años de formación y de algunos de los conciertos para violín y sonatas de Vivaldi sólo existen las transcripciones (en su mayor parte para clavecín) de Bach.



1750: Johann Sebastian Bach, compositor barroco alemán

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Johann Sebastian Bach (IPA /jo?han/ o /?jo?han ze?bastjan ?bax/ en alemán) (Eisenach, Turingia, 21 de marzo de 1685 – Leipzig, 28 de julio de 1750) fue un organista, clavecinista y compositor alemán de música del Barroco, miembro de una de las familias de músicos más extraordinarias de la historia, con más de 35 compositores famosos y muchos intérpretes destacados.

Su reputación como organista y clavecinista era legendaria, con fama en toda Europa. Aparte del órgano y del clavecín, también tocaba el violín y la viola de gamba, además de ser el primer gran improvisador de la música de renombre.1

Su fecunda obra es considerada como la cumbre de la música barroca. Se distinguió por su profundidad intelectual, su perfección técnica y su belleza artística, y además por la síntesis de los diversos estilos internacionales de su época y del pasado y su incomparable extensión. Bach es considerado el último gran maestro del arte del contrapunto, donde es la fuente de inspiración e influencia para posteriores compositores y músicos desde Mozart pasando por Schoenberg, hasta nuestros días.

Sus obras más importantes están entre las más destacadas y trascendentales de la música clásica y de la música universal. Entre ellas cabe mencionar los Conciertos de Brandeburgo, el Clave bien temperado, la Misa en si menor, la Pasión según San Mateo, El arte de la fuga, La ofrenda musical, las Variaciones Goldberg, la Tocata y fuga en re menor, las Cantatas sacras 80, 140 y 147, el Concierto italiano, la Obertura francesa, las Suites para violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y las Suites orquestales

Johann Sebastian Bach perteneció a una de las más extraordinarias familias musicales de todos los tiempos. Durante más de 200 años, la familia Bach produjo docenas de buenos ejecutantes y compositores (durante seis generaciones dio 50 músicos de importancia). En aquella época, la iglesia luterana, el gobierno local y la aristocracia daban una significativa aportación para la formación de músicos profesionales, particularmente en los electorados orientales de Turingia y Sajonia. El padre de Johann Sebastian, Johann Ambrosius Bach, era un talentoso violinista y trompetista en Eisenach, una ciudad con cerca de 6.000 habitantes en Turingia. El puesto involucraba la organización de la música profana y la participación en la música eclesiástica. El padre de Johann Sebastian enseñó a su hijo a tocar el violín y el clavecín. Los tíos de Johann Sebastian eran todos músicos profesionales, desde organistas y músicos de cámara de la corte hasta compositores. Uno de sus tíos, Johann Christoph Bach (1644-1695) era especialmente famoso y fue quien le introdujo en el arte de la interpretación del órgano. Documentos de la época indican que, en algunos círculos, el apellido Bach fue usado como sinónimo de «músico». Bach era consciente de los logros musicales de su familia, y hacia 1735 esbozó una genealogía, Ursprung der musicalisch-Bachischen Familie, buscando la historia de las generaciones de los exitosos músicos de su familia.

Bach murió de apoplejía a las 8 de la tarde del 28 de julio de 1750, después de una intervención quirúrgica fracasada en un ojo, realizada por un cirujano ambulante inglés llamado John Taylor, que años después operaría a Händel, con resultados iguales. Bach había ido quedándose ciego hasta perder totalmente la vista. Pocas horas antes de fallecer la recuperó, pero luego murió de apoplejía. Actualmente se cree que su ceguera fue originada por una diabetes sin tratar. Según ciertos médicos, padecía de blefaritis, enfermedad ocular visible en los retratos de sus últimos años.

La obra de Bach, como la de Beethoven, se puede dividir en tres grandes períodos bien diferenciados, marcados por las influencias y la asimilación de los estilos de su época, desarrollo, búsqueda y la evolución de su estilo personal, que en los años 1713 y 1739 / 1740 son capitales para la evolución de su estilo.

El primer período, el de aprendizaje y estudio, va desde 1700 hasta 1713, estando ya en Weimar. En este período, que está centrado en la música para clave y órgano, y cantatas sacras, asimila y supera la música alemana del siglo XVII y principios del XVIII en el ámbito instrumental y vocal religioso, además de Frescobaldi y algunos músicos franceses del siglo XVII.

El segundo período, el de maestría, empieza en 1713, en Weimar, y acaba en 1740, afincado ya en Leipzig. En este período, después de haber asimilado y superado completamente el estilo alemán del periodo anterior, a partir de 1713 asimila y es influido por la música italiana de finales del siglo XVII y primer cuarto del siglo XVIII, cuando, cogiendo y sintetizando las características del estilo italiano (claridad melódica y dinamismo rítmico) y del estilo alemán (sobriedad, contrapunto complejo y textura interna), logra hacer su estilo personal inconfundible, adaptable perfectamente a todos los géneros y formas de su tiempo menos el género de la ópera. En Leipzig y Köthen, ya forjado su estilo personal, adquiere un dominio técnico cada vez más profundo conforme pasa el tiempo.11

El último período de su música va desde la publicación de Clavier-Übung III en 1739 y acaba con la muerte del compositor en 1750, componiendo el Arte de la Fuga. En este período, se centra significativamente en la música instrumental, como haría más adelante Beethoven, y su estilo personal se vuelve más contrapuntístico, con una leve influencia de la nueva música galante naciente en aquellos momentos

La instrumentación de Bach es típica del barroco de la primera mitad siglo XVIII, incluyendo instrumentos modernos para su época, o antiguos, que después de 1750 caerían en desuso.

Toda su obra está destinada básicamente para siete instrumentos: órgano, clavecín, cuerdas, violín y flautas (dulce y traversa), la voz humana y el coro. Otros instrumentos que tienen menor importancia en aparición, como la trompeta, el laúd, el fagot, el corno, el timbal o el oboe y otros, son testimoniales, estando destinados únicamente a un número muy reducido de obras.


1991: Olimpo Cárdenas, cantante ecuatoriano.


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Olimpo León Cárdenas Moreira (Vinces, Los Ríos, Ecuador; 12 de julio de 1919 - Tuluá, Colombia; 28 de julio de 1991) cantante ecuatoriano. Fue un gran intérprete de boleros, valses, pasillos y tangos.